Cuando pensamos en Joaquim Mir i Trinxet (Barcelona, 1873-1940), nuestra mente se inunda de luz y color. Le recordamos como el pintor que llevó el paisaje catalán a una dimensión casi mística, un postimpresionista audaz que descomponía la luz en manchas vibrantes de color puro. Mir es, por derecho propio, uno de los nombres capitales del modernismo y uno de los paisajistas más importantes de la historia del arte español.

Sin embargo, reducir a Mir a su faceta de colorista sería obviar la complejidad de su genio. Hoy tenemos el privilegio de explorar una faceta mucho menos conocida pero inmensamente reveladora de su trabajo: su obra gráfica. A través de un conjunto de grabados poco comunes y un magnífico óleo de su etapa de madurez, nos adentraremos en las dos almas de este artista excepcional: el maestro de la estructura y la línea, y el poeta del color desbordante.

La Marca del Maestro: Los Grabados de Madurez (c. 1928-1930)

Lejos de ser un experimento de juventud, la incursión de Mir en el grabado fue una exploración consciente realizada por un artista en plena posesión de sus facultades. Hacia 1928-1930, Mir produjo una serie muy rara de aguafuertes. Al despojarse de su paleta explosiva, el artista se enfrentó a los pilares del arte —la línea, la forma, la luz y la sombra—, revelando el sólido andamiaje que sostiene sus pinturas más famosas.

Un Retrato Introspectivo y Simbólico

Entre los grabados que analizamos, este es sin duda el más impactante y atípico. Un memento mori, una calavera tratada con un claroscuro dramático y una trama de líneas densas y nerviosas. Este tipo de obra, que evoca la tradición de la vanitas española de Valdés Leal o Goya, contrasta frontalmente con sus paisajes vitalistas. Nos muestra un Mir profundo, reflexivo, quizás meditando sobre la mortalidad. Es un recordatorio poderoso de que, bajo el pintor de la alegría mediterránea, existía un artista consciente de las sombras de la existencia.

El Paisajista Dibujante: Estructura y Atmósfera

Los otros grabados de esta selección nos devuelven a su temática predilecta, pero desde una óptica completamente nueva.

Paisaje de pueblo

En este Paisaje de pueblo, reconocemos inmediatamente su interés por las arquitecturas populares y la vida cotidiana. Sin embargo, la ausencia de color obliga al espectador a centrarse en la composición, en el juego de volúmenes de los edificios y en la espontaneidad de un trazo que captura la esencia de la escena con una economía de medios magistral.

Grabado sin título

Esta otra pieza, de una fuerza compositiva sobrecogedora, nos encierra entre muros altos, ya sea un callejón estrecho o un desfiladero. La verticalidad y la agresividad de las líneas transmiten una sensación de drama y monumentalidad. Es la obra de un dibujante soberbio, que encuentra la estructura fundamental de la naturaleza.

Grabado sin título

Este último grabado es un ejercicio de síntesis atmosférica. Las líneas horizontales del cielo sugieren la inmensidad y el viento, mientras que el árbol, tratado con un gesto casi caligráfico, se erige como protagonista solitario del paisaje.

Estos grabados demuestran que el famoso "manchismo" de Mir no era fruto del azar, sino que se sustentaba en un profundo conocimiento del dibujo y la composición.

La Llama del Color: "Miravet, el Ebro" (Óleo sobre lienzo, 45x38 cm)

Miravet, el Ebro, c. 1927-1930

Si los grabados nos muestran el esqueleto de su arte, este óleo sobre lienzo es la carne, la sangre y el alma. La obra nos sitúa en Miravet, un enclave sobre el río Ebro que fascinó al pintor y al que dedicó una de sus campañas más célebres y fructíferas entre 1929 y 1930.

Este no es un paisaje cualquiera. Una obra de esta misma serie, "Fantasía del Ebro II", le valió a Mir la codiciada Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid en 1930, el reconocimiento definitivo a su carrera. La pintura que observamos, de un formato más íntimo (45x38 cm), es una cápsula perfecta de esa visión triunfante.

Aquí vemos al Mir que todos conocemos. La tierra y la arquitectura del pueblo se construyen con pinceladas densas y matéricas, en una paleta de ocres, tierras y sienas que parecen extraídos directamente del paisaje. El cielo, en cambio, es más fluido, con azules, grises y blancos que capturan la luz cambiante de las tierras del Ebro. La composición, con ese perfil montañoso dominando la escena, es de una solidez innegable, pero la energía de la pincelada la llena de un dinamismo vibrante. Es la naturaleza no solo vista, sino sentida y vivida por el artista.

Conclusión: Un Genio, Dos Lenguajes

La contemplación conjunta de estos grabados y esta pintura nos ofrece una comprensión más rica y completa de Joaquim Mir i Trinxet. No son dos artistas opuestos, sino las dos caras de la misma moneda genial.

Los grabados nos revelan al dibujante disciplinado, al maestro de la forma que domina la línea para expresar tanto la estructura monumental como la introspección más profunda. El óleo nos presenta al colorista visionario, al poeta de la luz mediterránea capaz de transformar un paisaje en una experiencia sensorial casi abstracta. Juntos, nos demuestran la envergadura de un artista que, más allá de la explosión de color, fue un maestro total de la imagen.